Una pincelada de historia

Para entender las miles de ideas y pensamientos que reflejan un cuadro o una escultura es importante volver el tiempo hacia atrás y recordar los movimientos que dejaron sus huellas a lo largo de la historia y que hoy en día se reflejan las pincelada o los tallados de las obras de muchos de nuestros artistas.

El siglo XIX fue una época de grandes transformaciones sociales, políticas y económicas. El desarrollo de la Revolución Industrial fue dejando poco a poco sus vestigios en la sociedad moderna: concentración de extensas poblaciones en los grandes centros urbanos; multiplicación de barrios obreros ( caracterizados por el hacinamiento y la masificación) que contrastaba con la ostentosa exhibición de riquezas de las clases altas. Estos profundos desequilibrios en la estructura social afectaron a artistas, pensadores y escritores. A partir de aquí y con el paso del tiempo van dándose diferentes movimientos que expresan diferentes ideas y que poseen características que los hacen únicos:

Realismo: Surge a mediados del siglo XIX como reacción al Romanticismo y neoclasicismo . Los integrantes de este movimiento sostienen que el arte debe ser concreto, sintético, democrático y progresis­ta y siempre reformador y discriminador de valores, denunciador y justi­ciero. Creen que el arte por el arte es un absurdo.
El realismo destierra de sus pinturas la imaginación, el sentimiento (romanticismo) y la racionalismo estético que caracterizaba al neoclasicismo. Las temáticas abordadas por estos artistas son obtenidas de la observación de la realidad que los rodea , evitando todo embellecimiento idealista, y siempre con un fin social o ideológico.
Principales exponentes: Jean-Francois Millet (1814-1875), Gustave Courbet (1819-1877)

Impresionismo: Hasta el siglo XIX el paisaje sólo existió como fondo o como complemento de otras imágenes que conformaban a una pintura. Los impresionistas se propusie­ron, entonces, romper con los ideales y sostuvieron que "la naturaleza merecía ser estu­diada por sí misma". Creían que lo real es lo que se aparecía frente a los ojos y eso es justamente lo que buscaban representar.
Los pintores impresionistas sacaban los caballetes de su estudio y pintaban al aire libre. Una de sus preocupaciones principales fue la incidencia de la luz sobre los objetos. Por esta razón comenzaron a utilizar la perspectiva aérea, esta técnica lleva al convencionalismo de pintar más borroso lo más lejano. A ello se suma que los impresionistas tenían amplios conocimientos sobre las leyes ópticas del color, esto se tradujo en la yuxtaposición de pinceladas con tonos puros para que el ojo humano se encargara de mezclar los matices en su retina y forme los colores que se derivan de ello.
Principales exponentes: Claude Oscar Monet (1840-1926), Edgar Degas (1834-1917), Alfred Sisley (1839-1899),Auguste Renoir (1841-1919)

Expresionismo: Durante el siglo XX se desarrollaron una gran cantidad de inventos en el ámbito técnico e industrial ( automóvil, telégrafo, avión, etc) así como un importante avance de las ciencias naturales y sociales (surgen: la teoría de la relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el descubrimiento de los rayos x, etc). Los nuevos conocimientos demostraron que detrás de la realidad hay mucho más de lo que puede percibirse mediante la vista. De esta manera muchos artistas de esta época buscaban otro tipo de arte que refleje la nueva realidad. Así surge el expresionismo cuyos cuadros cargados de emoción debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. Es un arte que pretende ser expresivo y a su vez apela a los sentimientos de su espectador. Este movimiento refleja los problemas de sus tiempos y las angustias del hombre mediante los colores, las texturas, las formas, etc.
Principales exponentes: Henri Matisse (1869-1954); Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938); Wassily Kandinsky (1866-1944), Otto Dix (1891-1969)

Dadaísmo: Movimiento que surge después de la Primera Guerra Mundial con el objetivo de destruir las nocio­nes convencionales del arte y utilizarlo conforma de protesta e ironía. Éstos artistas pretendían hacer un arte que exprese “ el repudio al arte”. Además apelaban a la ostentación pública de comportamientos irracionales para perturbar a la opinión pública.
El Dadaísmo produjo una profunda renovación de los medios expresivos, puso en entredicho la actividad artística en sí misma, la función del arte y el papel del ar­tista en la sociedad. Principales exponentes: Marcel Duchamp (1887-1968); Man Ray (1890-1976),

El Surrealismo: Es uno los movimientos de vanguardia que dominaron el panorama artís­tico durante la década del XX. El Dadaísmo es uno de sus antecedentes más importantes, pero surrealismo intentó diferenciarse de éste movimiento: mientras el dadaísmo fue puro instinto e individualismo, el surrealismo fue método, disciplina, mandamientos y prohibiciones. El dadaísmo despreció el arte, negó la historia y pretendió comenzar de cero. El surrealismo aspiró a trascender el arte buscando un linaje, líderes y antecesores.
Las pinturas surrealistas son planteadas como misterios y enigmas, donde no hay figuras humanas y donde los escenarios se presentan desolados y con objetos extraños.
Algunos de los pintores surrealistas fueron: Salvador Dalí (1904-1989), René Magritte (1898-1967) , y Max Ernst (1891-1976), entre otros. Éstos operaban siempre a dos niveles. En primer lugar las pinturas surrealistas destruyen nuestros esquemas mentales ( lo que estamos acostumbrados a ver a diario) y posteriormente pro­pician el acceso a la surrealidad, que puede ser definida como aquella realidad que desconocemos. En estas pinturas la realidad se vuelve desconcertante y configuran una iconografía muy perturbadora.

Estos son, entre otros, algunos de los movimientos que hoy se imprimen el las obras de pintores y escultores de nuestra época. El aporte que los antecesores de cada corriente nos han dejado a lo largo de la historia han trascendido las barreras del tiempo y de las modas.

arte

Video sobre diferentes pinturas

Artesanos de General Roca y Neuquen.

Libres, soñadores y originales


“ Búsquenme donde se esconde el sol
donde exista una canción.
Búsquenme a orillas del mar,
Besando la espuma y la sal.
Búsquenme, me encontrarán
en el país de la libertad....”

Libertar, eso es lo que se necesita principalmente para dejarse llevar por los sueños,

liberarse de los prejuicios y jugarse por lo que a uno le gusta.
Siguiendo esta idea Carolina, Cecilia y Rafael se ubican todas las tardes en una de las veredas de la calle Tucumán de General Roca para vender los anillos, collares, tallados y pulseras que esconden en cada piedra y en cada tramado horas y horas de trabajo e ingenio.
Ellos son tres jóvenes de esta ciudad que han aprendido el arte de crear estas artesanías gracias a la enseñanza de personas que como ellos se jugaron por lo que les gusta y han adquirido años de experiencia por haber desarrollando esta actividad por mucho tiempo. Luego de aprender las técnicas principales ellos se las ingeniar para que cada pieza tenga un toque especial y original. Cada nudo, cada tramado, cada tallado esconde el secreto de un momento

de inspiración y creación.
Estos jóvenes viajan a otras localidades para vender sus productos y a su vez intercambian ideas y técnicas con artesanos de otras partes del país. Principalmente eligen los aniversarios o las fiestas como la de la manzana, la vendimia, etc, porque en estas oportunidades hay mayor cantidad de gente y por lo tanto más posibilidades para vender lo que hacen. La temporada de verano es determinante ya que es en estos meses logran vender la mayoría de sus artesanías y con lo recaudado compran nuevos materiales para las futuras creaciones.
En localidades como Neuquén también hay muchas personas que se dedican a esta actividad. Este año se festejó en esta ciudad “La vigésimo séptima edición de la feria

de artesanos de Neuquén”.
Más de 500 artistas y expositores de todo el país y del exterior llegaron a Neuquén para formar parte de este evento. Desde el jueves 9 al domingo 12 de noviembre, la Avenida Argentina se lleno de colores y creaciones transformándose en el paseo de los artesanos más grande del Alto Valle.

Escuela especial Nº 1 de General Roca

Esos pequeños grandes artistas

La existencia de una capacidad diferente en una persona no implica un limitación para poder liberar y expresar todos aquellos sentimientos y sensaciones que el alma necesita sacar a la luz.
La escuela especial Nº 1 de la ciudad de General Roca ubicada en la calle Santa Cruz 2250 del barrio Alfonsina Storni, recibe diariamente a 150 chicos (aproximadamente) desde los 45 días hasta los 16 años de edad. Los mismos concurren en dos turnos (mañana y tarde). Estas pequeñas personitas con algunas capacidades diferentes tienen el don de ser excelentes y originales artistas plásticos. Durante sus jornadas escolares y por medio de talleres dejan volar su imaginación y expresan en una hoja de papel o algún otro material todo aquello que sus voces interiores no pueden expresar verbalmente.
Cabe destacar que estos chicos forman parte de un contexto socio familiar algo complejo ya que su gran mayoría tienen a diario una alimentación precaria y sus familias están prácticamente desintegradas y en situación de pobreza. Por lo tanto las actividades artísticas que ayuden a liberar sus mentes tienen un papel más que importante para su desarrollo y crecimiento personal.
Un grupo de docentes de esta institución lograron poner en marcha el proyecto
“Ilusiones en papel” cuyo propósito es: dar otro tipo de herramientas que el sistema educativo no considera indispensable, pero que en la educación especial (las actividades expresivas) son fundamentales porque permiten a cada individuo reflexionar, intercambiar, comunicar y crear desde lo propio para lograr el desarrollo de todos los aspectos de su personalidad. Y por medio de la expresión artística lograr la integración social como una herramienta de socialización, interacción y comunicación con los demás y con la sociedad.
La esencia del proyecto Ilusiones en papel radica en la búsqueda del placer donde lo que realmente importa es el proceso de creación en el cual el individuo se expresa dejando actuar su fantasía. Paralelamente esta forma de expresividad les provee otra identidad como seres capaces de generar sus propios recursos.

Algunas de las actividades que incluye el proyecto:

Ø Como primer paso los chicos realizan fondos sobre papel con diferentes temperas de colores. Posteriormente grafican sobre estas coloridas bases distintas situaciones cotidianas que les fueron significativas o que se relacionan con alguna temática desarrollada por el docente durante las clases.
Ø Las imágenes son impresas y armadas a modo de tarjetas que luego son ofrecidas y vendidas fuera de la institución.
Ø Los fondos recaudados con la venta de las tarjetas se invierten en diferentes visitas y viajes para los alumnos, como por ejemplo paseos a diferentes museos o exposiciones de diferentes tipos así como también obras de títeres, etc. Estas actividades les permiten a los alumnos vivir experiencias nuevas, reales, productivas y muy significativas para su desarrollo.
Ø Se plantea además la idea de crear libros de cuentos infantiles con los dibujos que los mismos alumnos hacen .
Este proyecto incentiva a los alumnos a que cada vez hagan creaciones mas lindas y originales porque saben que la recompensa...es disfrutar de momentos gratos junto a los docentes que con todas las energías trabajan y se esfuerzan a diario para que todo esto pueda llevarse a cabo.

¿Una obra o una mercancía?

En una época en la que el mercado y la globalización abarcan todos los aspectos de la vida inundándolos de sus principios de egoísmo y competitividad, el arte no queda excluido de esta situación. Desde hace varios años muchos autores se preguntan ¿que pasa con la obra de arte en relación al desarrollo de la lógica de mercado?
Walter Benjamin planteaba que las nuevas condiciones de la sociedad de masas modificaban la esencia del arte. Desde su perspectiva, el fenómeno tecnológico destruye el valor aurático de la obra de arte. “El aura”, aquella luz especial que hace que cada obra sea única e irrepetible es destruida en la era de la masificación. Hoy en día algunas obras se producen en masa perdiendo ese toque personal que hacia de cada una de ellas un creación una e irrepetible.
Desde otra perspectiva Edgar Morin plantea que “las nuevas técnicas de difusión, al igual que la extensión de los públicos, no conducen a una peligrosa medio­cridad ni a la muerte del arte sino a su desacralización. Los valores estéticos no sólo son vehiculizados por la obra de arte sino también por los productos de la cultura masiva (estetización de la vida cotidiana). Las barreras antes infranqueables entre el arte y los restantes productos no artísticos tienden a desaparecer”. Las obras de arte pierden esas particularidades e individualidades que las hacían sagradas en otros tiempos.
Actualmente las réplica de las obras de arte ( producidas por grandes industrias que crean millones y millones de copias) de Picasso, Leonardo Da Vinci, Van Gogh o Dalí, entre muchísimos otros, están al alcance de todos y a un precio muy accesible. Este hecho desencadena en que ya no se compre un cuadro por la calidad de sus trazos, por su mágica gama de colores, por la profundidad del mensaje o la estética que lo caracteriza, sino porque es bonito para decorar el living o las habitaciones o porque a alguien le pareció escuchar que Van Gogh o Dalí fueron pintores muy famosos.
Mientras tanto un número importante de personas compran y revenden las obras originales de estos autores por millones y millones de dólares, haciendo del arte una actividad muy rentable que deja un margen muy importante de ganancia. Estas dos esferas forman parte del homogéneo y empobrecido escenario capitalista en el que hoy nos toca vivir. Por otro lado se encuentran maravillosas obras de artistas locales que no se conocen demasiado y que deberían salir a la luz para hacer frente a la oscura realidad de la obra de arte como mercancía . Deben demostrar que la luminosidad y originalidad de cada escultura o pintura aun siguen vivas en sus manos creadoras y que el aura de cada creación artística no a muerto porque las obras únicas e irrepetibles hoy existen, hoy son posibles. Solo es cuestión de dar a conocer las maravillas que muchas manos son capaces de crear. No demos dejar que la gente que aun cree en el arte como la expresión del alma quede oculta bajo los velos de la indiferencia.

Galeria de fotos: Rafael Roca

Otro concepto del arte

El Conceptualismo es una corriente artística que se desarrolló alrededor del año 1960. En este tipo de arte el concepto tiene preferencia frente al objeto real y la técnica que se utilice para la creación de una obra queda en un segundo plano. Las ideas del artista pueden ser comunicadas a través de diversos medios como: textos, mapas, diagramas, cine, videos, fotografías y representaciones escénicas, para ser exhibidas en galerías o lugares concretos.
Algunos artistas que adhieren a esta corriente prefieren los materiales efímeros (pigmentos, metales, trozos de cristales, fieltro, materiales industriales desechados, madera, arena, caucho, etc,) para formar las obras sobre el suelo.
En un principio los artistas conceptuales intentaron liberar el arte de todo el denominado objetivismo, y por consiguiente también de su valor comercial. Sus esfuerzos apenas perduraron unos pocos años en su forma pura, aunque aun hoy en día siguen prosperando algunos artistas con estos ideales.

A partir del conceptualismo surgen diversas manifestaciones como el el body art, el arte de las instalaciones y el arte acción (happenings y fluxus). El body art son acciones-espectáculos instantáneas. La instalación más que una obra escultórica es una experimentación, una escenificación que trata de destruir la idea de escultura como monumento. Lo que importa no es la obra en sí sino la puesta en escena y la relación que le interesa al artista mostrar. No conmemora nada. Los happenings consisten en representaciones teatrales, una especie de psicodrama de carácter contestatario en el que actúan los artistas e incorpora técnicas de reproducción de imágenes. En los happening a veces se pide la participación del espectador con una intención crítico social y provocativa. Intenta revelar las contradicciones de las ideas convencionales de la sociedad desarrollada y capitalista. Consiguen provocar por lo inhabitual. Se llama fluxus cuando es un arte de acción en forma musical, un concierto que une la música de ruidos con el gestualismo.

Entrevista con el escultor Rafael Roca

Una escultura natural y diversa

Detenerse un segundo a observar una forma de la naturaleza. Sentir su textura, apreciar sus colores, imaginar sus orígenes, presenciar sus diferentes ángulos y proyectar a partir de la misma la creación de una escultura. Tomar los materiales y herramientas y poner manos a la obra.
Rafael Joaquín Roca es uno de los artistas que parte de las formas naturales, las reelabora y les da el aporte personal que cada obra individualmente se merece. Esto evita caer en el uso de las formas clásicas que ya han sido pensadas por varios artistas y repetidas por muchos otros.
En un pequeño taller y en compañía de un gigantesco perro negro de una raza muy extraña ( con una cara que denota mucha tranquilidad y unos 55 kilos o mas encima) , Rafael pasa horas y horas de su tiempo dando vida a trozos de madera, arcilla o metal hasta crear esculturas inimaginables que destellan un sin número de emociones al mirarlas y tocarlas. Según sus propias palabras, y haciendo referencia a la tarea de todo artista “ hay que tener una disciplina de trabajo. Esto es como lo que hace un músico, hay que tocar 8 horas al día el piano aunque no tengas ganas”.
Los temas que utiliza para la creación de sus obras son muy diversos, y fueron variando en relación a las circunstancias en las que le toco vivir. Las diversas ciudades en las que estuvo le proveyeron una gigante gama de temáticas que merecían ser representadas en alguna obra artística.
El tiempo que le lleva la elaboración de las esculturas es distinto en cada caso y depende de cada una individualmente. Algunas de ellas, según lo expresa Rafael, sufren una evolución. Esto implica que quizás una vez finalizada una figura , hay alguna idea que sigue girando, que quedo inconclusa, que no pudo ser resuelta, por eso se trabaja en series. “Toda obra de arte tiene una evolución hasta que llega un momento en que se agota”.
Varias de las ciudades de nuestra zona tuvieron la suerte de ser coronadas con alguna de las obras realizadas por este magnífico artista: La Difunta Correa en Chichinales; El monumento de Felipe Bonoli en bronce ubicado en una de las plazas de Villa Regina; Monumento a la madre y Juegos infantiles escultóricos para los barios 827 y 223 viviendas respectivamente en la ciudad de General Roca; Arcángel San Miguel para el santuario de María Auxiliadora de Stefenelli de General Roca, entre muchísimas otras.
En relación a lo que es “Arte” la definición que elige Rafael como la mas apropiada es concebirlo como “ la transmisión de una experiencia sensible. Esto vale para todas las artes. Y en el caso de la escultura es el lenguaje de las formas”.
Hay referentes en materia artística cuyas monumentales creaciones son difíciles de desprender a la hora de crear obras propias. Con respecto a este tema Rafael plantea que cuando uno ve grandes obras como por ejemplo las de Henry Moore es difícil olvidarse de las mismas, pero la originalidad del artista esta, en que por mas de que pueda ser influenciado, nunca debe copiar estas creaciones. Una obra es una re-presentación, es decir que el artista toma una idea la reelabora y luego la vuelve a presentar pero agregándole algo suyo, algo de originalidad y personalidad.
Hablando ya no de la representación sino del concepto de una escultura hoy en día hay una corriente artística que pareciera estar de moda, ya que inspira a varios de los artistas de la actualidad, “el Conceptualismo”. Roca no esta de acuerdo con dicho movimiento. Según su criterio las obras que realizan la mayoría de los artistas conceptuales son una superposición de objetos donde lo que importa es solo el concepto, dejando en el camino los criterios de estética que deben presentar todas las obras de arte.
En nuestra sociedad actual en la que la globalización intenta crear una uniformidad y homogeneización de todo, y en la que las culturas regionales prácticamente desaparecen Rafael plantea que es muy importante apoyar y desarrollar la diversidad cultural, buscando las diferentes identidades de lo diverso y dejando a un lado los lenguaje uniformes que expresan esterilidad. Reflejar lo diverso por encima de la homogeneización que "otros" intentan imponer sobre todos "nosotros".

Sobre vitrofusión:

Es una técnica que permite fusionar dos o mas vidrios en un horno eléctrico especial (La característica fundamental que deben tener estos hornos es la posibilidad de alcanzar rápidamente una temperatura de no menos de 900ºC; )La compatibilidad es una característica necesaria y obligatoria cada vez que se funden una cantidad importante de vidrios disímiles, por eso se requiere de un conocimiento previo para la realización de esta actividad.
Este arte de mezclar vidrios y tintes de colores ha comenzado a sembrar su popularidad en estos últimos tiempos en objetos de diferente naturaleza. En un principio fueron los ceniceros, platos, piezas de bijouterie y portasaumerios, hasta llegar a transformarse en la técnica utilizada por varios escultores para crear magnificas piezas artísticas que brindan al ambiente en que se las ubica una luz y una transparencia especial que llena cada rincón con la música del arte y la transparencia y esplendor del vidrio.
Este creciente progreso de las creaciones obtenidas por medio de esta técnica responde a una nueva forma de concebir los espacios y la elección de comenzar a llenar los interiores con la belleza y delicadeza que solo una pieza de estas características puede brindar.